– Как у нас это обычно происходит, мы не берем выставки в случайном порядке, а обязательно выстраиваем свою внутреннюю пространственную логику: взаимосвязи и противопоставления, которые существуют между разными проектами. Попав в пространство экспозиции, вы сразу же заметите, что визуально две эти выставки диаметрально противоположны друг другу. – С Алисой Савицкой, начальником отдела выставок в Арсенале, мы разговариваем по телефону. Я случайно пришла за 20 минут до открытия и решила использовать это время с пользой, по опыту зная, как важно быть подготовленной к просмотру достижений современного искусства.
Действительно, пройдя сквозь стеклянные двери на первом этаже, первое, что видит посетитель, – длинные белые стены, ровные, аккуратно повешенные гравюры, немного объектов, немного плакатов, витрины с книгами – это выставка Ороса. Она будто специально так организована, чтобы отвечать представлению о том, чем вообще может быть художественная выставка. Вид у нее абсолютно монографический, библиотечный, мы как будто бы листаем какой-то альбом или каталог.
В противовес ей выставка из Пермского музея современного искусства, наоборот, очень эмоциональная, фактурная, в ней много крупных инсталляций. Наверное, если рассуждать в простой зрительской логике, пермская выставка про то, что такое современное искусство, а выставка Ороса – про то, что такое традиционный музей и традиционный выставочный формат.
– Мы эти выставки специально сделали парой, чтобы поработать с разными нашими зрителями. Одним хочется эксперимента, живого материала, тактильного, чувственного опыта, хочется увидеть что-то необычное выходящее за рамки традиционных форматов – «Напряжение растет» для них. А кому-то, наоборот, нужен такой мощный музейный якорь, привычная музейная система, которая отличает выставку Ороса. Обе выставки объемные, с большим количеством материала, поэтому они полноценно уравновешивают друг друга в пространстве Арсенала. Это наша принципиальная затея на этот выставочный период, – поясняет Алиса.
Впрочем, если работать уже со смыслами, то у обеих выставок есть общий лейтмотив, который связан с историей традиционных для искусства жанров, с обращением к памяти и ко времени, потому что, к примеру, рассматривая гравюры Иштвана Ороса, невозможно не вспомнить Альбрехта Дюрера. А когда мы попадаем на пермскую выставку, с одной стороны, да, мы видим какие-то инсталляции, сложносочиненные объекты, но с другой стороны, обращает на себя внимание тот факт, что у всех художников, за исключением пары совсем молодых, классическое советское художественное образование, в рамках которого они и стали дальше развивать свои стратегии.
Художник Сергей Шеховцов, скульптор по образованию, в какой-то момент решил, что скульптура – это совсем не обязательно что-то вневременное, сделанное из прочных, долговечных материалов. И он заменяет традиционный для скульптуры материал поролоном. Временным, сложно хранящимся материалом, рассыпающимся в течение нескольких лет. Но он сохраняет при этом свой взгляд монументалиста, все равно делает крупную форму и соблюдает композиционные приемы.
И это очень интересно, потому что, на самом деле, история искусства и традиция сквозной линией проходят через всю пермскую выставку. Буквально.
Там есть изумительная инсталляция Леонида Сокова, посвященная истории архитектуры. Это белый подиум, на котором лежит длинный рельс, насыпан песок, а из песка торчат маленькие фигурки разных знаменитых архитектурных объектов от Стоунхенджа до башен-близнецов. На наших глазах из песка проступает история, что-то, что когда-то было современным, потом стало традицией, дальше древностью и в конце концов утратилось полностью или частично, погрузившись в песок времен.
Эта связь с историей искусства не только в смысле сюжетов и персоналий, но и с историей в смысле трансформации техник материалов и объединяет две эти выставки.
Собственно, есть еще одна важная объединяющая тема – это национальная художественная традиция.
Для венгерского искусства второй половины ХХ века стало традиционным работать с трансформацией изображения. Так называемый опт-арт – создание изображения с помощью дополнительных технических средств или просто в плоскости с получением в результате оптических иллюзий – это одна из основ венгерского искусства. И в экспозиции Ороса она проходит красной нитью. Здесь представлено много гравюр и плакатов, на которых изображение неоднозначно и при внимательном рассмотрении трансформируется во что-то совершенно другое. В витринах выставлены его анаморфозы – объекты в виде лежащей плоской гравюры, со стеклянной колбой, установленной сверху, в которой изображение гравюры преломляется и трансформируется в какое-то новое.
В случае с Пермью история не такая очевидная, но все равно очень любопытная: эта коллекция, как и сам музей, появилась 10 лет назад, когда в Перми началась так называемая «культурная революция», связанная с приходом туда Марата Гельмана. Именно тогда Марат запустил амбициозный проект под названием «Русское бедное» по аналогии со знаменитым итальянским направлением второй половины ХХ века Arte Povera, когда итальянские художники в противовес искусству минимализма, которое расходилось по галереям и продавалось со свистом, решили использовать в своих работах нехудожественные материалы. Газовые горелки, воск, камни, металл – что-то такое, что в принципе не свойственно искусству.
Гельман, исследуя искусство 1990-х и начала 2000-х годов, увидел, что в России очень много художников тоже используют простые нехудожественные материалы. К примеру, есть художники (и нам в Нижнем это близко), работающие со старым деревом, которое они собирают в разрушенных домах.
Вот на основе этой концепции Гельман сначала собрал выставку, а потом коллекцию, она и легла в основу Пермского музея современного искусства. Эта идея «бедных» материалов оказалась очень близка огромному кругу российских авторов. То есть получается, что здесь, как и в случае с выставкой Ороса, мы можем увидеть свой национальный колорит.
– Мы мечтали об этой коллекции, потому что у нас огромные потрясающие залы, которые требуют больших, мощных, полноценных вещей, – Алиса Савицкая не пытается сдерживать гордость за прекрасные выставочные площади нижегородского Арсенала. – Возможность получить их в музейной коллекции, проверенные временем, – это для нас очень ценно. Поэтому мы не писали аннотаций, а подобрали подходящие цитаты из книг и каталогов об этих художниках. Ведь все они – звездные художники первого ряда, и мы решили максимально со своей стороны показать их статусность, через биографии, через тот факт, сколько по ним существует книг, источников и литературы.
Выставки будут работать до 30 июня, а потом команда Арсенала придумает еще что-нибудь интересное, вот ничуть не сомневаюсь.
6+
